[rezens.tfm]
type: channel
description: e-Journal für wissenschaftliche Rezensionen des Instituts für Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Universität Wien
publisher: tfm | Institut für Theater-, Film- und Medienwissenschaft an der Universität Wien
language: de-DE
publication name: [rezens.tfm]
issn: 2072-2869
copyright: Dieser Rezensiontext ist verfügbar unter der Creative Commons-Lizenz CC BY-SA 4.0. Diese Lizenz gilt nicht für eingebundene Mediendaten.
items: Volker Pantenburg: Einfachheit ohne Vereinfachung. Zur Praxis Harun Farockis.
items: Carrie Rickey: Agnès Varda. Filmemacherin, Künstlerin, Feministin.
items: Simon R. Troon: Cinematic Encounters with Disaster. Realisms for the Anthropocene.
items: Amrei Bahr/Gerrit Fröhlich (Hg.): "Ain't Nothing Like the Real Thing?". Formen und Funktionen medialer Artefakt-Authentifizierung.
items: Atlanta Ina Beyer: Queere Punk-Utopien. Politische Ästhetik, Disidentifikation und kollektive Imagination.
items: Douglas Brode/Leah Deyneka (Eds.): Something Wicked. Witchcraft in Movies, Television, and Popular Culture.
items: Amy Ireland/Maya B. Kronic: Cuter Akzelerationismus.
items: Lea Schneider: Radikale Verletzbarkeit. Schreibweisen bewusster Selbstentblößung zwischen Sozialen Medien und Literaturbetrieb.
items: Anna Barmettler: far° – festival/fabrique des arts vivants Nyon und Residenzen im Produktionsgeflecht.
items: Teresa Kovacs/Peter Scheinpflug/Thomas Wortmann (Hg.): Schlingensief-Handbuch. Leben – Werk – Wirkung.
items: Yana Prinsloo: Theaterarbeit. Praktiken der Freien Szene.

Volker Pantenburg: Einfachheit ohne Vereinfachung. Zur Praxis Harun Farockis.
type: item
description: Mit dem plötzlichen Tod des Filmemachers Harun Farocki 2014 riss seine seit Mitte der 1960er Jahre anhaltende Produktion von Film-, Text- und Kunstprojekten abrupt ab, deren Beforschung allerdings – spätestens seit den 1990er Jahren (S. 11) – einen stetig anwachsenden Stapel an Wissenschaftspublikationen hervorbrachte. Nicht nur die von Farocki selbst durch etwa seine Lehrtätigkeit in den USA (Berkeley) bewirkte Internationalisierung der Farocki-Forschung, sondern auch die Gründung des Harun-Farocki-Instituts (HaFI) 2015 in Berlin-Wedding stehen im Zeichen eines intensivierten Interesses an dem Denken und Schaffen des Filmkünstlers. Das ist kaum überraschend, denn die Fragen, die Farocki stellt und bearbeitet, werden, vor allem in Zeiten, in denen Bilder von Kriegen wieder vermehrt die Berichterstattung im Fernsehen und in den Zeitungen bevölkern, wieder relevant. Das Betrachten von Bildern ist nämlich immer schon voraussetzungsreich gewesen (vgl. S. 41). Und so lenkt Harun Farocki schon früh die Aufmerksamkeit durch einfache Fragen, "Wie Filme sehen?" (S. 241) oder "Wie funktionieren Bilder?" (S. 227), auf eben jene mikropolitischen Voraussetzungen, die unsere Bilderwelten stetig begleiten. Bei Farocki verschiebt sich die Frage der Wahrnehmung von Bildern hin zu jenen Fragen, die die Logik und Funktionsweise der Bilder selbst betreffen (vgl. S. 247). Das zeigt sich bereits in seinem 1969 veröffentlichten Film Nicht löschbares Feuer (DE), in dem Farocki die Verletzbarkeit des eigenen Körpers gegen die "Gefahr abstrahierender Bilder" (S. 61) einsetzt. Überschrieben mit dem lakonischen, antididaktischen Motto, das Farocki von Jahr zu Jahr wieder als erklärtes "Lernziel" an der Akademie der bildendenden Künste Wien angibt, Einfachheit ohne Vereinfachung gewähren Volker Pantenburgs zusammengestellte Texte durch historiografische Überlegungen, ein hier erstmals publiziertes Interview zwischen Pantenburg und Farocki und akribische Archivarbeit (besonders beim WDR und der …
creator: Gideon Hempel
rights: Copyright (c) 2026 Gideon Hempel http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-04

Carrie Rickey: Agnès Varda. Filmemacherin, Künstlerin, Feministin.
type: item
description: Geht es um Grandes Dames der Filmgeschichte, die hinter der Kamera reüssierten, so würden die meisten intuitiv auf Agnès Varda verweisen. Nicht, weil sie die erste Frau im Regiestuhl gewesen wäre, die kommerziell erfolgreichste oder die mit dem renommiertesten Meisterwerk. Mit 65 Jahren filmischer Schaffenshistorie konnte die Französin sich jedoch nachhaltig über Generationen, Trends sowie Medien hinweg etablieren und durch die Vielfalt ihres Œuvres den ihr unliebsamen Titel der "Großmutter der Nouvelle Vague" transzendieren. Pionierin des modernen Kinos, feministische Ikone, bis ins hohe Alter mit der internationalen Kunstavantgarde verknüpft. Es ist also kein Wunder, dass diese große Künstlerin auch nach ihrem Tod 2019 unermüdlich weitere Würdigungen erfährt. Eher mag man sich fast wundern, dass erst jetzt endlich mit der Übersetzung der Varda-Biografie von US-Filmkritikerin Carrie Rickey die erste große Einzelpublikation zu Agnès Varda im deutschsprachigen Raum erscheint. Obgleich Autorin Rickey Cineastin ist, ist Agnès Varda: Filmemacherin, Künstlerin, Feministin kein reines Filmbuch, schon gar kein filmanalytisches Werk. Der Gewinn für die weitere filmwissenschaftliche Beschäftigung mit Varda dürfte dennoch ungemein sein. Rickey ist vertraut mit filmhistorischen Porträts, gerade auch mit einem feministischen Zugang. Dies zeigt sich in ihren bisherigen Arbeiten für Criterion, das British Film Institute oder die New York Times, wo sie unter anderem schon Elaine May oder Ava DuVernay würdigte. Eine charakteristische Stärke, die sich durch Rickeys Arbeiten zieht und in der Herangehensweise dieser Biografie nun zur vollen Blüte kommt: sorgfältiges Kontextualisieren. Denn obgleich das angenehm in der Hand liegende Büchlein keine 300 Seiten fast, sind seine ersten Tugenden doch Gründlichkeit und Präzision. Andere Kritiken zu dem Buch bemängelten entweder die Tendenz, in eine erweiterte Filmografie zu kippen, oder priesen die nahezu thriller-artige Dichte. Die Wahrheit…
creator: Joris Coerdt
rights: Copyright (c) 2026 Joris Coerdt http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-05

Simon R. Troon: Cinematic Encounters with Disaster. Realisms for the Anthropocene.
type: item
description: Simon R. Troons Buch Cinematic Encounters with Disaster. Realisms for the Anthropocene ist eine von zahlreichen Studien der letzten Zeit, die sich dem Bereich eines filmwissenschaftlichen eco criticism zuschreiben lassen (vgl. exemplarisch Adrian Ivakhivs Ecologies of the Moving Image (2013), Jennifer Fays Inhospitable World (2018) oder Julia Leydas Anthroposcreens (2023)). Troons Studie ist aber weniger an den ökologischen Fragen der Produktions-/Distributionsverhältnisse interessiert und fokussiert stattdessen die Filme selbst. Die Analysen sind hauptsächlich auf die ästhetischen und ethischen Erfahrungen des Filme-Sehens ausgerichtet und werden an einer Vielzahl von Filmen durchgearbeitet. Der rote Faden, der den diversen Filmkorpus verbindet, ist das sogenannte disaster cinema. Dieses umreißt klassischerweise jene großangelegten Inszenierungen von Katastrophen, für die im neueren Kino wohl der Namen Roland Emmerich charakteristisch wäre. Erfrischend ist, dass Troon diesen engen Bereich der Genrebeschreibung, den der Begriff normalerweise abdeckt, erweitert. So werden in Teil I nicht nur die typischen Studio-Desasterfilme jüngeren Datums (von den 1990er bis in die 2010er) untersucht, sondern diese auch produktiv mit american independent films aus der gleichen Zeit konfrontiert. Darüber hinaus kommen sowohl Dokumentarfilme über die Klimakrise (vgl. Teil II der Arbeit) in den Blick als auch Filme, die Troon dem auteur- bzw. Weltkino (vgl. Teil III) zuschlägt. Neben dem Begriff des Desaster, das die Bildung des filmischen Korpus begründet, steht der des Realismus, den Troon im Plural denkt und den dieser versteht als "a method of film-aesthetic response to history." (S. 19) Die geschichtliche Lage ist zuletzt mit dem Namen der eco-catastrophe oder dem Anthropozän verbunden, auf die hin die Filme als ästhetische Antworten gelesen werden. Teil I beginnt mit der Diskussion der "hollwood disaster's movies", deren historisches Auftreten zwischen den 1950er und den 1970er…
creator: Timo Zohren
rights: Copyright (c) 2026 Timo Zohren http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-06

Amrei Bahr/Gerrit Fröhlich (Hg.): "Ain't Nothing Like the Real Thing?". Formen und Funktionen medialer Artefakt-Authentifizierung.
type: item
description: Authentizität hat gegenwärtig Konjunktur. Das zeigt sich in Alltagsdebatten ebenso wie in Diskursen verschiedenster (kultur-)wissenschaftlicher Disziplinen. Beinahe ubiquitär taucht das Phänomen an unterschiedlichen Stellen und in diversen Spielarten auf. Es wird in verschiedenen Kontexten je unterschiedlich akzentuiert und geht dabei mit vielfältigen (bisweilen widersprüchlichen) Implikationen, Logiken und Politiken einher. So adressiert es vielschichtige Aushandlungen von Selbst- und Weltverhältnissen, bringt Erwartungshaltungen ins Spiel und mobilisiert Sehnsüchte sowie Affekte. So unterschiedlichen Phänomenen wie bspw. Spielzeug, Kleidung, Reisen oder Kunstwerken wird ebenso Authentizität zu- bzw. abgesprochen wie auch Individuen, ihren Verhaltensweisen, Praktiken, Aussagen oder Haltungen. Zum Gegenstand und "Werkzeug" (vgl. S. 9) konfliktreicher (In-)Authentizitätszuschreibungen werden dabei immer wieder auch mediale Artefakte und Gefüge (vgl. S. 8f). Unter welchen Bedingungen derartige Zuschreibungen in unterschiedlichen Kontexten wirksam werden, wie sie Plausibilität erlangen und welche Implikationen damit jeweils einhergehen (können), beleuchtet der vorliegende Sammelband auf eindrückliche Weise. Er befragt in diesem Sinne "die Vielfalt der diversen Authentizitätszuschreibungen" (S. 8) und fokussiert dabei den Gegenstandsbereich der (medialen) Artefakte (vgl. ebd.). Die wissenschaftliche Beschäftigung mit dem Authentischen ist ebenso vielfältig wie uneindeutig, sie durchzieht verschiedenste Disziplinen und ist mit diversen Gegenstandsbereichen befasst (vgl. S. 7). Die damit einhergehende Vielfalt der Authentizitätsauffassungen bringt der Band dabei keineswegs mit einer grundsätzlichen "Willkür" oder gar "Inhaltsleere" des Begriffs in Verbindung (vgl. S. 7f). Vielmehr wird der Versuch unternommen, ebendiese begriffliche Diversität im Kontext wissenschaftlicher Auseinandersetzungen produktiv zu machen. Es geht hier dementsprechend weder um eine "Vereinheitlich…
creator: David Jagella
rights: Copyright (c) 2026 David M. Jagella http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-07

Atlanta Ina Beyer: Queere Punk-Utopien. Politische Ästhetik, Disidentifikation und kollektive Imagination.
type: item
description: Es geht um queere Perspektiven im Punk. Atlanta Ina Beyers Dissertation Queere Punk-Utopien. Politische Ästhetik, Disidentifikation und kollektive Imagination liefert eine spannende Auseinandersetzung mit utopischen Potentialen, die sich in kritischen, queeren Perspektiven im Punk der 1990er bis frühen 2000er Jahre der USA finden. Beyer untersucht ästhetische Strategien im multimedialen Kontext von Punk-Bands und -Zines und beleuchtet politische Implikationen kollektiver Gegenentwürfe und Allianzpolitiken in Abgrenzung zu hegemonialen Strukturen. "Queer" wird bewusst nicht als Identitätskategorie verstanden, sondern "im Sinne eines 'Queering' – als machtkritische, dekonstruktive und zugleich produktive Arbeit an Identität und an der kollektiven politischen Imagination" (S. 256). Die Theoriebildung von José Esteban Muñoz bildet einen zentralen Bezugspunkt des Buchs: "Queer" wird in Anschluss an Muñoz als anzustrebender Zustand interpretiert. In Analogie zu Muñoz' Cruising Utopia: The Then and There of Queer Futurity (2009) untersucht Beyer Potentiale des Utopischen in einem Rückgriff auf vergangene, subversive künstlerische Produktionen und ästhetische Praktiken. Beyer setzt sich als Ziel, in den gewählten Gegenständen ästhetische Strategien zu untersuchen, welche sie in einem macht- und hegemoniekritischen Kontext von Ästhetik und Repräsentation(-spolitiken) verortet (vgl. S. 19). Das Gegenstandsfeld von Beyers Untersuchung umspannt Produktionen von drei exemplarischen Künstler*innen(-Gruppen): die schwule Hardcore-Band Limp Wrist (seit 1998), die Band Tribe 8 (1991–2005), die eine Überschneidung von queerer/lesbischer Agenda mit feministischen Bewegungen anstrebt (vgl. S. 36), und die Künstlerin Christy C. Road und ihr Zine Greenzine (1997–2004) mit Texten und Illustrationen aus autoethnografischem Kontext. Diese multimediale Gegenstandsauswahl überträgt Beyer in einen interdisziplinären Analysefokus. So untersucht sie für Limp Wrist Stimmeinsatz, Songtexte, Coverg…
creator: Anna Sacher
rights: Copyright (c) 2026 Anna Sacher http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-08

Douglas Brode/Leah Deyneka (Eds.): Something Wicked. Witchcraft in Movies, Television, and Popular Culture.
type: item
description: Just as mainstream media and popular culture seem to have been successfully enchanted by witches over the past three decades, so too has scholarship within the humanities. With its 19 transdisciplinary essays mapping the contours of an emerging field of research on witchcraft representations in media, the anthology Something Wicked: Witchcraft in Movies, Television, and Popular Culture stands as a perfect illustration of what a "witchcraft renaissance" (p. 211) looks like in contemporary media-cultural studies. The volume's contributions assembled by editors Douglas Brode and Leah Deyneka follow a loose chronological order, moving from ancient folklore and silent films of the 1920s to hit TV series and present-day Hollywood franchises. Though this sequence is neither consistently maintained nor formally divided into sections, editor Douglas Brode's framing chapters attempt to provide the anthology with an overarching argumentative coherence. His introduction "The Villain Still Pursues Us" (pp. 1–12) together with his closing chapter "Something Wicked This Way Comes" (pp. 283–295) state the volume's aim as understanding how and why anti-witchcraft attitudes have persisted in popular culture. To this end, Brode advances two somewhat sweeping claims, namely that Wicca remains the one minority that has yet to experience a meaningful shift in its negative cultural image (cf. p. 11), and that witches have "remained static in terms of our entertainment iconography" (p. 283). Assertations that, as the following non-chronological survey of the chapters will demonstrate, sit uneasily with the anthology's own evidence to the contrary. Drawing predominantly from a shared body of twentieth- and twenty-first-century theoretical and feminist scholarship, with certain key texts recurring across multiple chapters, the contributions examine witchcraft and witches with a focus that shifts variously across individual witch characters, witch-adjacent figures, relationships among witches…
creator: Jana Christin Lammerding
rights: Copyright (c) 2026 Jana Christin Lammerding http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-09

Amy Ireland/Maya B. Kronic: Cuter Akzelerationismus.
type: item
description: Dass Niedlichkeit gegenwärtig eine Konjunktur erfährt, scheint offensichtlich: Spuren, Objekte und Figurationen des Niedlichen finden sich in unübersichtlicher Menge bei der Kommunikation auf sozialen Netzwerken (über GIFs, Memes bis hin zu Kurzvideos) oder in der Gestaltung von Medientechnologien wieder (wie im Fall von Care-Robotern oder virtuellen Haustieren). Amy Ireland und Maya B. Kronic versuchen in Cuter Akzelerationismus diesem Phänomen nachzuspüren: Woher kommt das Cute? Und wohin treibt es uns? Die bei Merve erschienene, deutsche Ausgabe ist eine Übersetzung des englischsprachigen Buchs Cute Accelerationism, das 2023 im Urbanomic Verlag erschienen ist und sich auch dadurch auszeichnet, dass der Schreibstil literarisch-künstlerische und populärkulturelle Züge mit wissenschaftlichen verbindet. Der Text versucht, die titelgebende 'Beschleunigung' des Niedlichen im Schreiben selbst umzusetzen: "Es gibt keinen Unterschied zwischen dem, wovon ein Buch handelt und der Art, wie es gemacht ist" (S. 46). Das vierzigseitige, "[hyperdichte, chaosmotische, heiße] Gemisch" (ebd.) erschließt sich im Detail nur im Mit-Einbeziehen der insgesamt über hundert Seiten umfassenden Anmerkungen. Auf Ebene der Formulierungen lassen Ireland und Kronic mit dem Cuten ihr zentrales Thema in den Text einsickern. So zitieren sie beispielsweise "Martin Kawaiidegger" (S. 12) oder bezeichnen den deutschen Text als "Blabbersetzung" der "cutigierten" zweiten Auflage (S. 4). Selbst cis-patriarchale Strukturen entkommen der Verniedlichungsmaschine nicht: Das Patriarchat wird über den gesamten Text hinweg nur als "Daddy Admin" (S. 25) zum Ziel von Kritik. Das Wissensobjekt des cuten Akzelerationismus, das Ireland und Kronic hier zu etablieren versuchen, zeichnet sich durch eine sich stetig beschleunigende Prozesshaftigkeit aus: Cuteness, als "Idee, die nur durch Teilnahme erkannt werden kann" (S. 6), bewege sich in einem Prozess der Beschleunigung aus dem Feld der natürlichen Evolution über ei…
creator: Elias Fromm
rights: Copyright (c) 2026 Elias Fromm http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-10

Lea Schneider: Radikale Verletzbarkeit. Schreibweisen bewusster Selbstentblößung zwischen Sozialen Medien und Literaturbetrieb.
type: item
description: Autofiktionale Erzählungen haben Konjunktur; das zeigt nicht zuletzt der Erfolg etwa von Chris Kraus' zum feministischen Kult-Klassiker avanciertem Memoir I Love Dick (1997) oder Annie Ernaux' Autosoziobiografien, für die sie 2022 mit dem Nobelpreis für Literatur ausgezeichnet wurde. Auch jenseits des etablierten Literaturbetriebs finden vor allem solche Texte Anklang, die ein in der Lebensrealität der Autor*innen verankertes Ich als "Knotenpunkt gesellschaftlicher Kräfte" (Graw/Weingart 2019, S. 39) mobilisieren, um über abjekte, transgressive sowie schambehaftete Körper- und Begehrensformen zu schreiben. Social-Media-Plattformen wie Instagram, Twitter oder WeChat erweisen sich dabei als die idealen Publikationsorte dieser Schreibweisen, da sie aufgrund ihrer medialen und sozialen Nutzungsweisen autobiografische und intersubjektiv affizierende Lesarten nahelegen würden, so die zentrale These in Lea Schneiders sehr lesenswerter, 2024 bei transcript veröffentlichter Dissertationsschrift Radikale Verletzbarkeit. Schneider, selbst auch als Lyrikerin und Übersetzerin tätig, bezeichnet die von ihr untersuchten Beispiele – in den 2010er Jahren zunächst online, später im klassischen Buchformat veröffentlichte Texte anglofoner sowie deutsch- und chinesischsprachiger Autorinnen – insofern als radikal verletzbar, als diese die eigene Verletzbarkeit bewusst und exzessiv aufsuchen würden. Von Verletzbarkeit (und nicht von Verletzlichkeit) zu sprechen betone daher, wie auch am englischen Vulnerability zu sehen sei, eine aktive, ermöglichende Fähigkeit anstelle eines passiven Zustands (vgl. S. 11). Im Zusammenspiel von Praktiken der affirmativen Bezugnahme auf Stilformen des Unterhaltungs-, Amateurs- und Trash-Registers, des Thematisierens devianter und beschämender Körperlichkeiten sowie der Verschmelzung von Text-Ich und Autor*innen-Ich, durch die das "Sicherheitsnetz der Fiktionalität" (S. 12) ausgehebelt wird, entstehe so "ein Schreiben [...,] das sich so umfassend angreifbar…
creator: Christina Ernst
rights: Copyright (c) 2026 Christina Ernst http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-11

Anna Barmettler: far° – festival/fabrique des arts vivants Nyon und Residenzen im Produktionsgeflecht.
type: item
description: Erst kürzlich – im Februar 2026 – veranstaltete das Produktionshaus FFT in Düsseldorf unter dem Titel "We are at work" ein zweitägiges Präsentations- und Austauschformat zu Geschichte, Relevanz und Vielgestaltigkeit von Residenzen in den performativen Gegenwartskünsten. In diesem Fall ging es vornehmlich um diejenigen Künstler*innenresidenzen, die durch die Förderung des Bündnisses internationaler Produktionshäuser in Kooperation mit dem Fonds Darstellende Künste e. V. ermöglicht werden konnten. Wie bereits Ende 2025 bekannt wurde, erhält ebenjenes Bündnis nach zehn Jahren äußerst erfolgreicher Arbeit ab 2026 keine weitere Förderung durch den Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien in Deutschland. Damit fallen in Zukunft auch etliche Residenzen aus – und damit Möglichkeiten des internationalen Austauschs und der internationalen Zusammenarbeit von Akteur*innen der freien darstellenden und performativen Künste. Was Kürzungen wie diese kulturpolitisch nicht nur in Deutschland, sondern europaweit bedeuten, wird einem nach der Lektüre von Anna Barmettlers Studie zu Residenzen als Bestandteil des Produktionsgeflechts wesentlich bewusst: sie beschädigen die ohnehin prekäre institutionelle Infrastruktur insbesondere trans- und international arbeitender Künstler*innen. Das Buch far° – festival/fabrique des arts vivants Nyon und Residenzen im Produktionsgeflecht, das die Forschungsergebnisse des Promotionsprojekts von Barmettler im SNF-geförderten Forschungsprojekt "Festivals and Institutional Changes. Perspectives on International Theatre Production" (2019–2023) unter der Leitung von Alexandra Portmann an der Universität Bern zusammenfasst, kommt also genau zur richtigen Zeit. Zudem fügt es sich in eine ganze Reihe jüngerer Publikationen, die die Theaterwissenschaft – sicherlich auch in Folge der Strahlkraft der DFG-Forschungsgruppe "Krisengefüge der Künste" (2018–2024) – als Kunstwissenschaft mit einem (bislang schmerzlich vernachlässigten) Fokus auf struktur…
creator: Theresa Schütz
rights: Copyright (c) 2026 Theresa Schütz http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-01

Teresa Kovacs/Peter Scheinpflug/Thomas Wortmann (Hg.): Schlingensief-Handbuch. Leben – Werk – Wirkung.
type: item
description: In der Handbücher-Reihe des Metzler-Verlags erscheinen seit vielen Jahren Kompendien zu wichtigen Schriftsteller*innen und Philosoph*innen aus Vergangenheit und Gegenwart, wobei in der Literatur der Schwerpunkt bei deutschsprachigen Autor*innen liegt. Berücksichtigt wurden dabei so unterschiedliche Autorinnen und Autoren wie Aristoteles, Homer, Sigmund Freud, Wilhelm und Alexander von Humboldt, Hannah Arendt und Ingeborg Bachmann, wobei nur eine kleine Minderheit der mit einem Handbuch Bedachten Frauen waren. Zu Künstler*innen wurden bis jetzt mit Ausnahme von Joseph Beuys keine eigenen Kompendien zusammengestellt. Nun wird Christoph Schlingensief (1960–2009) ein Handbuch gewidmet, was insofern eine Herausforderung war, als sich dessen Werk einer einfachen Kategorisierung in Sparten der Kunst entzieht: Nach Anfängen als Filmregisseur (im Alter von acht Jahren!) war er unter anderem Theaterregisseur, Hörspielautor, Fernsehmacher, Aktions- und bildender Künstler sowie Autor. Als Bezeichnung für diese Vielfältigkeit hat sich in der Forschung seit einem viel beachteten Symposium mit anschließender Buchveröffentlichung (Janke/Kovacs 2011) der Ausdruck "Gesamtkünstler" etabliert. Teresa Kovacs, Peter Scheinpflug und Thomas Wortmann, die Herausgeber*innen des vorliegenden Bandes, sind bereits durch einschlägige Veröffentlichungen als Schlingensief-Expert*innen ausgewiesen (Janke/Kovacs 2011; Höving/Holweck/Wortmann 2020; Scheinpflug/Wortmann 2022). Auch die meisten Autor*innen des Handbuchs haben schon zum Künstler geforscht und publiziert. Das Handbuch ist in zehn Teile mit insgesamt 68 Beiträgen gegliedert, wobei der erste Teil der Person und Persona Schlingensief gewidmet ist. In den zweiten bis achten Teilen geht es dann, nach Genres gegliedert, um einzelne Werke des Künstlers, während der neunte Teil zentrale, im Schaffen Schlingensiefs immer wiederkehrende Themen und der zehnte Traditionslinien behandelt. Sowohl die Teile des Handbuchs als auch die Artikel zu seinen …
creator: Sebastian Cwiklinski
rights: Copyright (c) 2026 Sebastian Cwiklinski http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-02

Yana Prinsloo: Theaterarbeit. Praktiken der Freien Szene.
type: item
description: Was ist Theaterarbeit? Wodurch zeichnet sie sich aus? In welchen gesellschaftlichen Zusammenhängen steht sie? Theaterarbeit ist Reproduktionsarbeit, so ließen sich diese Fragen nach der Lektüre von Yana Prinsloos 2025 erschienener Monografie beantworten. Zur Theaterarbeit gehören dabei nach Ansicht der Autorin nicht nur Aufführungen als ihr Ergebnis, sondern auch die politischen Rahmenbedingungen, institutionellen Strukturen und sozialen Relationen, die eine Aufführung vorbereiten und ermöglichen, in der Regel aber ungesehen bleiben: "Theaterarbeit als Reproduktionsarbeit macht die sich im Hintergrund verbergenden politischen Akte zum sichtbaren Inhalt. Auf der Basis dieser erweiterten Definition von Theaterarbeit ist es möglich, die über die Kollektivgrenzen hinaus benötigten technischen, organisatorischen, mediativen und distributiven Arbeiten sowie das kulturpolitische Engagement der Theaterpraktiker*innen als Teil des gleichen Arbeitsbereichs und -prozesses zu markieren und zu analysieren" (S. 292). In ihrer Dissertationsschrift nimmt Yana Prinsloo diese Praktiken am Beispiel der Freien Szene in den Blick und schreibt sich damit innerhalb der Theaterwissenschaft in ein in den letzten Jahren zunehmendes Forschungsinteresse für die Vorgänge auf der Hinterbühne ein (vgl. S. 18). Impulsgebend für ihre Auseinandersetzung mit den Produktionsweisen und -bedingungen von Theater war die Zeit der Coronapandemie, während der sich die fragile Struktur künstlerischer Arbeit sowie eine mangelnde 'Systemrelevanz' von Theater einmal mehr offenbarte und die Bedeutung von Care-Arbeit und deren ungleiche Verteilung auch im Theaterbereich vorübergehend mehr ins Bewusstsein rückte. Im Horizont der Pandemie, unter deren Eindruck die Autorin ihr Projekt verfolgte, stellten sich Fragen nach der "produktionelle[n] Bedingtheit" (S. 11) von Theater somit neu und auf dringliche Weise. Dem Zusammenhang von Theater und Arbeit nähert sich die Autorin in der Einleitung auf drei Wegen: über die…
creator: Friederike Oberkrome
rights: Copyright (c) 2026 Friederike Oberkrome http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
license: http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
date: 2026-05-12
publication date: 2026-05-12
number: 2026/1
doi: 10.25365/rezens-2026-1-03